때때로 역사 음악학이라고 불리는 음악사는 역사적 관점에서 음악을 연구하는 광범위한 음악학 분야의 매우 다양한 하위 분야입니다. 이론적으로 “음악사”는 모든 유형 또는 장르의 음악(예: 인도 음악의 역사 또는 록의 역사)의 역사에 대한 연구를 의미할 수 있습니다. 실제로 이러한 연구 주제는 민족지학적 기반 여부에 관계없이 민족음악학 또는 문화 연구의 일부로 분류되는 경우가 많습니다. “음악사” 및 “역사적 음악학”이라는 용어는 일반적으로 “예술 음악”(엘리트 예술에 초점을 맞추는 경향이 있는 미술사와 유사하게)이라고도 하는 서양 엘리트의 악보 음악의 역사를 나타냅니다.

음악 역사의 방법에는 소스 연구(특히 원고 연구), 고문서학, 문헌학(특히 텍스트 비평), 스타일 비평, 역사학(역사적 방법의 선택), 음악 분석 및 도상학이 포함됩니다. 이러한 목표를 달성하기 위한 음악 분석의 적용은 종종 음악 역사의 일부이지만 순수한 분석 또는 음악 분석의 새로운 도구 개발은 음악 이론 분야에서 더 많이 볼 수 있습니다. 음악 역사가들의 지적 산물에는 저널의 피어 리뷰 기사, 대학 언론에서 출판한 음악 역사 책, 대학 교과서, 새로운 버전의 음악 작품, 작곡가 및 기타 음악가의 전기, 단어와 음악의 관계에 대한 연구, 사회에서 음악의 역할에 대한 반성.

교육학
대부분의 클래식 및 전통 악기 연주자들은 역사, 예술 음악, 팝, 로큰롤 등 음악사에 대한 교육을 어느 정도 받습니다. 음악사 과정은 고등 교육(대학 또는 대학) 수준에서 제공됩니다. 캐나다에서 일부 음악 학생들은 9학년 수준 이상의 왕립 음악원 인증을 완료하려면 음악사(음악 이론뿐만 아니라) 시험이 필요하기 때문에 학부 과정에 앞서 교육을 받습니다.

대부분의 중대형 기관에서는 비음악 전공자를 위한 음악 감상 과정과 음악 전공자를 위한 음악사 과정을 제공합니다. 두 가지 유형의 과정은 일반적으로 길이(1-2학기 대 2-4학기), 폭(많은 음악 감상 과정이 후기 바로크 또는 고전 시대에 시작되며 2차 세계대전 이후 음악을 생략할 수 있는 반면 음악 전공 과정은 전통적으로 중세부터 현재까지의 기간), 깊이. 음악 역사에서 더 많은 연구 도구를 소개하면서 더 좁은 주제에 대한 두 가지 유형의 과정입니다. 가능한 주제의 범위는 사실상 무한합니다. 몇 가지 예는 “제1차 세계 대전 중 음악”, “중세 및 르네상스 기악”, “음악과 정치”, “모차르트의 돈 조반니 또는 여성과 음악”입니다.

음악사의 방법과 도구는 주제만큼이나 많기 때문에 엄격한 분류가 불가능합니다. 그러나 여기서는 몇 가지 경향과 접근 방식을 간략하게 설명할 수 있습니다. 다른 역사적 학문과 마찬가지로 대부분의 음악사 연구는 크게 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다. 사실적이고 정확한 데이터의 확립과 데이터의 해석입니다. 대부분의 역사 연구는 하나의 범주에만 속하지 않고 두 범주의 방법을 조합하여 사용합니다. 사실 데이터를 설정하는 행위는 해석 행위와 완전히 분리될 수 없습니다.

보관 작업은 보다 광범위한 관심사를 가진 문서 모음(예: 바티칸 지불 기록, 예술 후원자에게 보내는 편지)에서 음악 또는 음악가와의 연관성을 찾거나 음악가와 관련된 문서 모음을 보다 체계적으로 연구하기 위해 수행될 수 있습니다. 기록, 악보, 문자 등을 디지털화한 경우에는 온라인으로 보관 작업을 할 수 있습니다. 보관 자료를 온라인으로 검토할 수 있는 작곡가의 한 예는 Arnold Schoenberg Center입니다.[1]

연주 실습은 과거 다양한 장소에서 과거 다양한 장소에서 음악이 어떻게 연주되었는지에 대한 구체적인 질문에 답하기 위해 역사적 음악학의 많은 도구를 사용합니다. 학자들은 주어진 작품을 연주하는 데 어떤 악기나 목소리가 사용되었는지, 어떤 템포(또는 템포 변화)가 사용되었는지, 장식은 어떻게(또는 사용되었는지)와 같은 질문을 조사합니다. 이전에는 연주 연습이 바로크 시대의 초기 음악에 국한되었지만 1990년대 이후 연주 연습에 대한 연구는 초기 고전 시대 피아노 협주곡이 어떻게 연주되었는지, 녹음의 초기 역사가 비브라토 사용에 어떤 영향을 미쳤는지 등 다른 역사적 시대를 검토했습니다. 클래식 음악에서 또는 Klezmer 음악에서 어떤 악기가 사용되었는지.

작곡가에 대한 전기적 연구는 우리에게 작곡 연대기, 스타일 및 작품에 대한 영향에 대한 더 나은 감각을 제공하고 작품 해석(연주자 또는 청취자에 의한)에 중요한 배경을 제공할 수 있습니다. 따라서 전기는

문화적 중요성, 기본 프로그램 또는 작품의 의제에 대한 더 큰 연구의 한 부분을 형성합니다. 1980년대와 1990년대 초에 중요성이 증가한 연구.

사회학 연구는 개인과 사회 전체에 대한 음악의 의미뿐만 아니라 사회에서의 음악 기능에 초점을 맞춥니다. 음악(클래식 음악 포함)의 사회적 중요성을 강조하는 연구자를 신음악학자라고 부르기도 합니다. 다른 접근 방식 중에서 인종, 계급, 성별, 섹슈얼리티(예: LGBTQ) 및 장애와 같은 문제와 음악 및 음악 제작의 교차점을 조사할 수 있습니다.

기호학적 연구는 전통적으로 역사가보다는 음악 분석가의 영역입니다. 그러나 작품이나 스타일의 의미 해석인 음악 기호학의 실행에 중요한 것은 역사적 맥락에서의 상황입니다. Kofi Agawu 및 Lawrence Kramer와 같은 학자의 해석 작업은 분석과 음악 역사 사이에 있습니다.

역사
1800년 이전
서양 음악사에 대한 최초의 연구는 18세기 중반으로 거슬러 올라간다. G.B. Martini는 1757년에서 1781년 사이에 Storia della musica[2](음악의 역사)라는 3권의 역사를 출판했습니다. Martin Gerbert는 1774년에 De cantu de musica sacra[3]라는 제목의 종교 음악 역사 2권을 출판했습니다. 3세기부터 1784년까지의 종교 음악에 대한 중요한 글을 포함하는 3권의 작품 Scriptores ecclesiastici de musica sacra.

1800~1950년

20세기에 Johannes Wolf와 다른 사람들의 작업은 중세 음악과 초기 르네상스 음악에 대한 연구를 발전시켰습니다. 악보의 역사에 관한 울프의 저술은 특히 음악 학자들에게 주목할만한 것으로 간주됩니다. 역사 음악학은 중세와 르네상스 음악뿐만 아니라 바로크 음악에 대한 새로운 관심에 중요한 역할을 했습니다. 특히 진정한 연주 운동은 역사적 음악학에 많은 빚을 지고 있다. 20세기 중반에 이르러 음악학(및 역사 음악학의 가장 큰 하위 분야)은 연구 분야로 크게 확장되었습니다. 동시에 음악학 및 음악 저널의 수가 증가하여 연구 출판을 위한 더 많은 배출구를 만들었습니다. 중요한 저널이 서양 전역, 특히 미국 전역에 생겨나면서 독일어 장학금의 지배력이 약해졌습니다.

비판
학문과 음악의 배제
가장 협소한 정의에서 역사 음악학은 서양 문화의 음악사입니다. 이러한 정의는 역사 이외의 분야, 서양 이외의 문화 및 “고전”(“예술”, “진지한”, “고급 문화”) 또는 기보된(“인위적인”) 이외의 음악 형식을 임의로 제외합니다. 분야, 문화, 음악 스타일/장르가 다소 열등합니다. 모든 음악적 인문학을 포함하는 다소 넓은 정의는 여전히 문제가 있습니다. 관련 (자연) 과학(음향학, 심리학, 생리학, 신경과학, 정보 및 컴퓨터 과학, 경험적 사회학 및 미학)과 음악 실습을 임의로 배제하기 때문입니다. 마찬가지로 음악 이론과 음악 분석의 음악학적 하위 분야는 역사적으로 역사적 음악학의 가장 협소한 정의에서 다소 불편하게 분리되었습니다.

역사 음악학 내에서 학자들은 인문학의 다른 곳에서 흔히 볼 수 있는 포스트모던하고 비판적인 접근 방식을 채택하는 것을 꺼려했습니다. Susan McClary(2000, p. 1285)에 따르면 “음악은 다른 예술보다 뒤쳐져 있습니다. 다른 미디어가 시대에 뒤떨어졌을 때 아이디어를 가져옵니다.” 1980년대 후반 페미니스트 음악학자에 이어 1990년대에 와서야 역사 음악학자가 젠더, 섹슈얼리티, 신체, 감정, 주체성과 같은 문제를 다루기 시작했습니다. McClary의 말(1991, p. 5)에 따르면, “음악학은 그 방식을 바꾸거나 검토할 필요 없이 페미니즘 이전에서 이후로 직접 전달되는 데 기적적으로 성공한 것 같습니다.” 더욱이 음악학과 록 음악에 대한 토론에서 Susan McClary와 Robert Walser는 음악학이 어떻게 종종 “클래식 음악의 위대함의 일부인 사회-음악적 상호 작용에 대한 질문을 무시[d]했는지”라는 분야 내에서 핵심적인 투쟁에 대해서도 언급합니다. 사회로부터의 자율성에 귀속된다.”

대중음악 배제
Richard Middleton에 따르면 (역사적) 음악학에 대한 가장 강력한 비판은 일반적으로 대중 음악을 무시한다는 것입니다. 대중음악에 대한 음악학적 연구가 최근 양적으로 크게 증가했지만, 1990년 미들턴의 주장, 즉 대부분의 주요 “이론적 또는 역사적 음악학 연구는 대중음악이 존재하지 않는 것처럼 행동한다”는 주장은 사실입니다. 학업 및 음악원 교육은 일반적으로 이러한 광범위한 음악 스펙트럼을 주변적으로만 다루며 “경멸적이고 겸손한 많은 (역사적) 음악 학자들은 그들이 다른 종류의 음악과 연관시키는 제작 유형, 음악 형식 및 청취 유형을 찾고 있습니다. .’클래식 음악’… 그리고 그들은 일반적으로 대중 음악이 부족하다고 생각합니다.”

그는 이 문제의 세 가지 주요 측면을 인용합니다(p. 104–6). 역사 음악학의 용어는 “특정 음악(‘클래식 음악’)의 필요와 역사에 따라 달라집니다.” 그는 “음악학의 전형적인 말뭉치에서 중요한 특정 영역[조화, 음조, 특정 부분 작성 및 형식]에 대한 풍부한 어휘가 있음”을 인정합니다. 그러나 그는 클래식 음악에서 “잘 발달되지 않은 다른 영역[리듬, 피치 뉘앙스 및 계조, 음색]에 대한 빈약한 어휘”가 있다고 지적합니다. Middleton은 “항상 음악이 무엇인지에 대한 선택적이고 종종 무의식적으로 공식화 된 개념을 포함한다”는 점에서 많은 “용어가 이데올로기 적으로로드되어있다”고 주장합니다.

또한 그는 역사음악학이 “기보의 특성에 편향된 방법론”인 ‘기보 중심성’을 사용한다고 주장한다(Tagg 1979, p. 28–32). 결과적으로 “음악학적 방법은 음정 관계 또는 단어와 음악 사이의 관계와 같이 쉽게 표기할 수 있는 음악적 매개변수를 전면에 내세우는 경향이 있습니다.” 반면에 역사음악학은 음의 색이나 비서구적 리듬과 같은 “쉽게 표기되지 않는 매개변수를 무시하거나 어려움을 겪는” 경향이 있다. 또한 그는 서양 음악 학교의 “기보 중심 교육”이 “특정 형태의 듣기를 유도한다”고 주장합니다.

, 그리고 이것들은 적절하든 그렇지 않든 모든 종류의 음악에 적용되는 경향이 있습니다.” 그 결과, 역사 음악학을 훈련받은 서양 음악 학생들은 매우 리드미컬하게 복잡한 펑크나 라틴 노래를 들을 수 있습니다. 멜로디가 매우 단순하고 2~5개의 코드만 사용하기 때문에 저급 음악 작품입니다.

표기 중심성은 또한 “재화: 악보가 ‘음악’ 또는 아마도 이상적인 형태의 음악으로 보여지게 됩니다.”를 장려합니다. 이와 같이 재즈, 블루스 또는 포크와 같이 악보를 사용하지 않는 음악은 낮은 수준으로 강등될 수 있습니다. 또한, 역사 음악학은 “특정한 음악 체계의 기원과 발전 및 미학에 의해 편향된 이데올로기…그것은 특정한 순간, 특정한 맥락, 즉 19세기 유럽, 특히 독일에서 발생했습니다. 그 당시 음악학이 관심의 중심으로 삼았던 바로 그 레퍼토리를 성문화하고 있던 그 시대의 음악적 실천에서 그 운동과의 연관성.” 이러한 용어적, 방법론적, 이데올로기적 문제는 대중음악에 공감하는 작품에도 영향을 미친다. 그러나 “음악학이 대중음악을 이해하지 못한다거나 대중음악을 공부하는 학생들이 음악학을 포기해야 한다”는 것은 아니다.